brandcelona.com is here! // ¡brandcelona.com ya está aquí!

This week we are full of news!

The first one: we present our new website brandcelona.com. There you can find all our offer of services and the latest news related to Business Design and Brand Experience in Retail.

The second new is about the two videos that we’ve made to explain our vision and the lifestyle that inspires us the city of Barcelona (our manifesto), and also our workstyle. Check them out at the end of this post!

The third one is that now you’ll be able to customize a retail tour in your city or wherever you prefer, fulfilling the form with your interests and the sector you want to study.

And the last one, you can already subscribe to our monthly newsletter in which you will be aware of everything we do as well as you will be able to participate exclusively to some of our open retail tours, workshops and talks.

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¡Esta semana estamos cargados de novedades!

La primera: ya podemos presentar nuestra nueva página web brandcelona.com. Allí podréis encontrar toda nuestra oferta de servicios y novedades relacionadas con el Diseño de Negocios y Experiencia de Marca en Comercios.

La segunda novedad son dos vídeos que hemos hecho que explican cuál es nuestra visión y el estilo de vida que nos inspira la ciudad de Barcelona (nuestro manifesto), así como sobre cuál es nuestra manera de trabajar. Échales un vistazo al final de este post!

La tercera, es que ya puedes pedir información para personalizar un retail tour en tu ciudad o donde prefieras, especificando en el formulario tus intereses y sector sobre el que quieres aprender.

Y por último, ya puedes suscribirte a nuestro newsletter mensual con el que podrás estar al corriente de todo lo que hacemos y apuntarte en exclusiva a algunos de nuestros workshops, talks y retail tours abiertos que organizamos.

brandcelona® lifestyle from brandcelona on Vimeo.

workstyle brandcelona® from brandcelona on Vimeo.

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PAVÉ, cycling culture // PAVÉ, cultura ciclista

Rarely bikes have been exhibited in such a unique and enveloping space as PAVÉ. Their proposal of becoming a reference in the cycling culture, becomes the place in a meeting point of knowledge and lifestyle for all passionate about cycling.

Overlooking the advantages of this reinvented transport (does not consume or makes noise, takes up little space, improves the physical health of the driver and is more fun), the focus on showing technological innovation creating a culture it is no coincidence, but goes closely linked with this lifestyle. Sharing what are the best accessories and parts, the best cycling routes and enjoying with trips that start and end in the same location of Prat de Llobregat (Barcelona). Beginning with a coffee reading the morning newspaper, finishing with a refreshing shower and even, sometimes, with a sports massage and a good chat.

They take advantage of a large open space to share uses and environments. The Factory is dedicated to the “princesses” -the bikes- and serves as a workshop, maintenance area, pupilage and cleanliness. The bikes are kept with great order and neatness, exposing them as if they were pieces of art. In addition, the workshop is not hidden, is visible for the visitor as an open surgery. The Pop-up Hall serves as exhibition space and debate, showing surprising art works and pieces that keep the experience of culture-museum- space. They also have a Lounge where you can taste coffee, relax after a trip, read and view projections.

Their commitment to schedule group trips is divided into a group of young (the Crew) that wants to explore new routes and the Jubilee Crew that encourages an active aging through cycling.

Their communication and branding amazed by their excellent quality without losing the closeness and saboir-faire that they have. Probably that’s why The Guardian included it in the list of the best shops in the world. We leave you with a video they made to present their opening.

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Pocas veces la bicicletas han sido expuestas en espacios tan singulares y envolventes como PAVÉ. Su propuesta de ser un referente en cultura ciclista, convierte el lugar en un punto de encuentro del conocimiento y estilo de vida de todo apasionado por la bicicleta.

Vistas las ventajas que aporta este reinventado transporte (no consume ni hace ruido, ocupa poco espacio, mejora la salud física de su conductor y es más divertida), la apuesta por mostrar la innovación tecnológica creando cultura sobre ello no es casualidad, sino que va estrechamente ligado con este estilo de vida. Compartir cuáles son los mejores accesorios o piezas, las mejores rutas, así como disfrutarlo con salidas que empiezan y acaban en el mismo local del Prat de Llobregat (Barcelona). Empezando con un buen café leyendo la prensa del día, acabando con una ducha reconfortante e incluso, a veces, con un masaje deportivo y una buena charla.

Aprovechan un espacio amplio y diáfano para compartir usos y ambientes. La Factory está dedicada a las “princesas” -las bicicletas- y sirve de taller, zona de mantenimiento, pupilaje y limpieza. Las bicicletas se guardan con mucho orden y pulcritud, exponiéndose como si fueran obras de arte. Además, el taller no se esconde, está a la vista del visitante como un quirófano abierto. El Pop-up Hall sirve de espacio de exposición de arte y debate mostrando obras y piezas sorprendentes que mantienen la experiencia de espacio-museo-cultura. También disponen de un Lounge en el que degustar café, relajarse después de una salida, leer y visionar proyecciones.

Su apuesta por programar salidas en grupo se divide en un grupo de jóvenes (Crew) con ganas de explorar nuevas rutas y el Jubilee Crew que fomenta el envejecimiento activo a través del ciclismo.

Su comunicación y branding sorprenden por ser de una calidad excelente sin perder la cercanía y el saboir-faire que tienen. Probablemente por eso The Guardian la añadió a la lista de las mejores tiendas del mundo. Os dejamos con un vídeo que hicieron para presentar su apertura.

Doing things well will never be old fashioned // Hacer las cosas bien nunca pasará de moda

Paul’s Hat Works in San Francisco via http://mistercrew.com

Paul’s Hat Works in San Francisco via http://www.thebolditalic.com/

Paul’s Hat Works in San Francisco via diggstatic.com

Paul’s Hat Works in San Francisco via http://www.thebolditalic.com/

In a time where traditions have faded, where people avoid eye contact on the streets and heads remain barren & cold, four women have set out on an adventure to revive tradition, to unify the people and to bring the hat back.” So explains the reason for their existence in Paul’s Hat Works, a hat shop in San Francisco with nearly 100 years of history, that wants to recover, dignify and renew the use of this accessory full of elegance.

Since its opening in 1918, the store has maintained its beauty and craft tradition carefully to the point that entering into this hat shop is making a visit to the “Roaring Twenties”. Its current owners, Abbie Dwelle, Wendy Hawkins, Olivia Griffin and Kirsten Hove, are a clear representation of vintage elegance and innovation that doesn’t turn back on craft tradition. Not only that, but have been able to create a space that goes beyond the sale of hats, as they serve coffee, teach users the secrets of hats and offer an open studio and gala opportunities for the neighborhood and visitors.

Their dedication is committed to personalized service and the creation of custom pieces that fit the needs of each user. So, do not sell over the Internet because they want to satisfy every customer in person, using tools and techniques with over one hundred years of history. Perhaps it is an “old fashioned” tradition, but certainly the one that spends more time and care to details and customer satisfaction. At the end of this post you’ll find a video they made in late 2011 to raise funds to open a new hat shop in New York throughout this year 2012.

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“En una época donde las tradiciones se han desvanecido, donde la gente evita el contacto visual en las calles y los jefes siguen siendo áridos y fríos, cuatro mujeres se han embarcado en una aventura para revivir la tradición, para unificar al pueblo y traer el sombrero de vuelta.” Así explican el motivo de su existencia en Paul’s Hat Works, una sombrerería en San Francisco con casi 100 años de historia, que quiere recuperar, dignificar y renovar el uso de este complemento lleno de elegancia.

Desde su apertura en 1918, el establecimiento ha mantenido su estética y tradición artesanal y cuidadosa hasta tal punto, que adentrarnos en su sombrerería es hacer un visita a los maravillosos años ’20. Sus actuales propietarias -Abbie Dwelle, Wendy Hawkins, Olivia Griffin y Kirsten Hove- son una clara representación de la elegancia vintage y de la innovación que no da la espalda a la tradición artesana. No sólo eso, sino que han sido capaces de crear un espacio que va más allá de la venta de sombreros, pues sirven café, enseñan a los usuarios los secretos de los sombreros y ofrecen un estudio abierto y oportunidades de gala para todo el vecindario y visitantes.

Su dedicación apuesta por el trato personalizado y la creación de piezas a medida que se ajusten a las necesidades de cada usuario. Por eso, no venden a través de Internet pues quieren satisfacer a cada cliente en persona, usando herramientas y técnicas con más de cien años de historia. Quizás es una costumbre “pasada de moda”, pero sin duda, la que dedica más tiempo y cuidado a todos los detalles y a la satisfacción del usuario.

A continuación, os dejamos con un vídeo que realizaron a finales de 2011 para recaudar fondos para abrir una nueva sombrerería en Nueva York a lo largo de este año.

 

I love NY: follow your heart // I love NY: sigue a tu corazón

I love NY icon via http://www.miltonglaser.com

Since today is 4th of July, a clear example of dayketing in the United States, we present the interesting reinvention of the well-known logo ‘I love NY‘.

The campaign ‘Follow Your Heart‘, driven by the Department of Tourism of the State of New York at the beginning of summer, invites to illustrate what represents to each of us the heart of the famous icon. The emblem was created by the graphic artist Milton Glaser in June 1977. As a result of the great financial crisis of the late 70s and the high crime rates in the city, the Department invested in the creation of a genuine campaign that despite its simplicity, has been reproduced on all kind of objects and even imitated in other cities around the world. The emotional charge permeates an icon capable of bypassing language barriers and by which each one endorses the love for the city and its culture. In addition, the campaign was accompanied with the popular song “I Love New York” of Steve Karmen which eventually became the official state anthem.

At its 35th anniversary this proposal to make it a participative symbo, encouraging tourists and citizens to share what they love of the city of New York in summer, but can be extended to the unique experiences and passion that each one feels for “the city where everything is possible”.  This campaign keeps the spirit of a cosmopolitan city with a range of activities as extensive as the possible illustrations that can replace the ❤ of the icon. At the end of this post we attach one of the spots of the campaign.

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Aprovechando que hoy es 4 de julio, un claro ejemplo de dayketing en los Estados Unidos, os presentamos la interesante reinvención del archiconocido logotipo ‘I love NY‘.

La campaña ‘Follow Your Heart‘, impulsada por la Delegación de Turismo del Estado de Nueva York a principios de verano, invita a ilustrar qué representa para cada uno el corazón del famoso icono. El emblema fue creado por el artista gráfico Milton Glaser en junio de 1977. A raíz de la gran crisis financiera de finales de los años ’70 y los altos índices de criminalidad de la ciudad, se invirtió en la creación de una campaña genuína y que, a pesar de su sencillez, ha sido reproducida sobre todo tipo de objetos e incluso imitada en otras ciudades de todo el mundo. La carga emotiva impregna un icono capaz de pasar por alto las barreras del idioma y mediante el cual, cada uno hace suyo el amor que siente por la ciudad y su cultura. Además, se acompañó la campaña con la popular canción “I love New York” de Steve Karmen que acabó convirtiéndose en el himno oficial del estado.

En su 35º aniversario, esta propuesta de convertirlo en un símbolo participativo, anima a turistas y ciudadanos a compartir qué aman de la ciudad de Nueva York en verano, aunque se puede extender a las vivencias únicas y la pasión que cada uno siente por “la ciudad donde todo es posible”. Esta campaña mantiene el espíritu de una ciudad cosmopolita y con una oferta de actividades tan extensa como ilustraciones posibles que pueden reemplazar el ❤ del icono. A continuación os añadimos uno de los spots de la campaña:

Sharing and integrating the user: Collaborative projects // Compartir e integrar al usuario: Proyectos colaborativos

The People’s Supermarket in London via seanofloinn.blogspot.com

Arthur Potts Dawson co-founder of The People’s Supermarket via smart-urban-stage.com

The People’s Supermarket ID via identitydesigned.com

Until now, establishments and business models based on the distribution of organic products, have suffered the consequences of being outside of the economies of scale. The production adds value with care and selection, increasing the final price fairly. However, new proposals for social and responsible entrepreneurship have opened the doors to new patterns of consumption based on community and collaboration. Time and participation are erected, too, as currencies.

This is the case of The People’s Supermarket, a cooperative in the London borough of Camden which aims to connect the urban community in search of local and organic products at reasonable prices, with the nearby farming community. Members of the cooperative -who are already over a thousand! – pay an annual fee of £ 25 and pledge to spend 4 hours a month to work in the store. Thus, the cooperative can offer products with a low business margin to its members (with a discount of 20%), while they form the active part of their development.

Shortening the supply chain, they support those small producers who can not afford to be present in large retail chains, both strive to meet growing urban demand for fresh, healthy, seasonal and close products. They also have an ambitious project to reduce the amount of food discarded: The People’s Kitchen. Cooking many of the products at risk of becoming waste and making compost with the rest. It not only allows them to offer healthier prepared meals at good prices, but have generated some jobs and significantly reduced their organic waste generation. With this formula, they may even offer a catering service for events.

The store and their corporate image are a reflection of their values, conveying the diversity of its members and the culture of DIY. Is not only the people’s supermarket and kitchen, it also identifies that their brand belongs to its members. Their design is transversal and democratic, like their philosophy, and has been designed under the premise of eco-design, reducing costs with highly customizable standard parts.

At the end of this post, we have embedded a video about The People’s Supermarket and we’d like to encourage all our londoner readers to be part of this beautiful project.

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Hasta ahora, los establecimientos y modelos de negocios basados en la distribución de productos ecológicos, han sufrido las consecuencias de estar al margen de las economías de escala. La producción pone en valor su cuidado y selección, incrementando equitativamente el precio final. Sin embargo, las nuevas propuestas de emprendimiento social y responsable han abierto las puertas a nuevos modelos de consumo basados en la comunidad y la colaboración. El tiempo y la participación se erigen, también, como monedas de cambio.

Es el caso de The People’s Supermarket, una cooperativa en el barrio londinense de Candem que pretende conectar a la comunidad urbana en busca de productos locales y ecológicos a buen precio, con la comunidad de agricultores cercanos. Los miembros de la cooperativa -que ya son más de mil!- pagan una cuota anual de 25 libras y se comprometen a destinar 4 horas mensuales a trabajar en el establecimiento. Así, la cooperativa puede ofrecer productos con un bajo margen comercial a sus miembros (con un descuento del 20%), a la vez que éstos forman la parte activa de su desarrollo.

Acortando la cadena de distribución, apoyan a aquellos pequeños productores que no pueden permitirse estar presentes en las grandes cadenas de distribución, a la vez se esfuerzan en poder cubrir la creciente demanda urbana de productos frescos, sanos, de temporada y cercanos. Cuentan también con un ambicioso proyecto para reducir la cantidad de alimentos desechados: The People’s Kitchen. Cocinan buena parte de los productos que corren el riesgo de convertirse en residuos y hacen compost con el resto. No sólo les permite ofrecer comida preparada sana a buenos precios, sino que han generado diversos puestos de trabajo y reducen notablemente su generación de residuos orgánicos. Con esta fórmula, pueden incluso ofrecer un servicio de cátering para eventos.

El establecimiento y la imagen corporativa son un reflejo de sus valores, transmitiendo la diversidad de sus miembros y la cultura del DIY (háztelo tu mismo). No sólo es el supermercado y la cocina de la gente, sinó que también su marca pertenece e identifica a sus miembros. Su diseño es transversal y democrático, al igual que su filosofía, y ha sido ideado bajo las premisas del ecodiseño, reduciendo los costes con piezas estándar altamente personalizables.

Adjuntamos un vídeo sobre The People’s Supermarket y animamos a todos nuestros lectores londinenses a formar parte de este bonito proyecto.

PASS / POST

In order to present projects related to commercial space design and teaching, we will count with the collaboration of teaching professionals who will discuss projects and exercises in the context of retail strategies. Today we are pleased to introduce a text of Rebecca Mason, multidisciplinary designer and collaborator with Josep Ferrando and Marc Guitart of the International Master in Interior Design for Commercial Spaces at IED Barcelona.

This past winter, the Masters Class of Interior Design for Commercial Spaces at IED Barcelona thoroughly explored the function and structure of a tired commercial passage on Av. Diagonal in Barcelona. A three month exploration and dissection of this space resulted in a number of surprising and innovative ideas, all very relevant to the current social and economic climate in which we currently live.

More importantly though, behind these functions lied great conceptual insight into the motivating forces that drive commercial activity and design. The students found themselves trying to create a space that provided the user a place to escape, or a way to find themselves. Recognizing that individuals represent a unique layer in a bigger picture, the spaces dealt with the desire to offer consumers something special, and more importantly something personal.

When faced with the task to come together as 19 unique designers to represent all of their projects in one temporary installation, the Masters Class really rose to the challenge. If trying to combine 19 different concepts into one wasn’t hard enough, they also had to complete the project within 4 days. After a rapid brainstorming session, it was clear that the main concern of the students was to create a space that would be interactive and that would change throughout its short lifespan. The students really internalized these desires, and finally agreed that they would create a passage that offered the user the chance to create their own entrance and exit, their own path, and finally the opportunity to tell their story along the way.

The final installation was named, Pass / Post and was literally constructed from brown packing paper and string: basic, no-frill materials that represented the desire for simplicity and a blank canvas on which to leave a mark. Pass / Post was a 7.7m x 4.4m rectangular ‘passage’ that was filled with a complex web of string that stretched from the ceiling to floor, creating an impossibility to pass through the space in a straight line.

In order to attract their target audience up to the top floor of the building where the project was installed, the students laid a ‘cutting path’ along the ground starting from the exterior street all the way to the installation. Along this ‘cutting path’ the students placed their own faces, combined with a word that they felt signified their personal projects. These words enticed the viewer to continue along the path, as they finally came together to form an abstract sentence, provoking both thought and intrigue. The students also created small fliers that they left around the school, and also a promotional video that they posted on Facebook ahead of time, utilizing both print and social media to create exposure.

All in all the project was an interesting experiment on spontaneous and creative integrity. The message was loud and clear, ‘cut your story’, and definitely resulted as a reflection of a number of individual personalities. Those who interacted with the space offered inspirational quotes, exclamations of frustration, and one fashion student even created a garment for an imaginary warrior princess. One thing was certain, however, this being that everyone who participated left with a smile on their face, and most said ‘thank you’ as if they were happy to have received the break from their daily routines. As the space slowly transformed, the exterior walls began to fill the interior space, creating a complex yet inspiring atmosphere, offering that ‘escape’ that the students desired to create.

“Let’s not forget that the little emotions are the great captains of our lives and that we obey them without realizing it.” And it’s through this process of moving across, under, over or past something on the way from one place to another that a story is created… cut your story, Pass / Post.”

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Con el fin de dar a conocer proyectos relacionados con el diseño de espacios comerciales y su enseñanza, contaremos con la participación de profesionales docentes que expondrán proyectos y ejercicios en el marco de las estrategias en retail. Hoy estamos encantados de presentaros un texto de Rebecca Mason, diseñadora multidisciplinar y colaboradora junto a Josep Ferrando y Marc Guitart en el Máster Internacional de Diseño de Interiores para Espacios Comerciales que se imparte en el IED Barcelona.

Durante el pasado invierno, la clase del Máster en Diseño de Interiores de Espacios Comerciales del IED Barcelona exploró a fondo la función y estructura de un pasaje comercial concurrido como la Av. Diagonal en Barcelona. Tras tres meses de análisis y disección del espacio, surgieron una serie de ideas sorprendentes e innovadoras, todas ellas muy relacionadas con el actual clima social y económico en el que vivimos.

Cabe destacar que estas funciones se apoyan en la visión conceptual de aquellas fuerzas que motivan la actividad comercial y el diseño. Los estudiantes  trataron de crear un espacio que proporcionara al usuario un lugar para escapar, o una manera de encontrarse a sí mismos. Reconociendo que los individuos son una sola capa en un cuadro más amplio, los espacios buscaban el deseo de ofrecer a los consumidores algo especial, y lo más importante, algo personal.

Cuando nos enfrentamos a unir lo que los 19 diseñadores del Máster habían hecho para exponer todos los proyectos en una misma instalación temporal, aceptamos el reto. Por si tratar de combinar 19 conceptos diferentes en un solo espacio no fuera suficiente, también tuvimos que completar el proyecto en 4 días. Después de una sesión rápida de brainstorming, estaba claro que la principal preocupación de los estudiantes era la de crear un espacio que fuera interactivo y que pudiera cambiar a lo largo de su corta vida. Los estudiantes interiorizaron esos deseos, y, finalmente, acordaron que se crearía un pasaje que ofreciera al usuario la oportunidad de crear su propia entrada y salida, su propio camino, y, finalmente, la oportunidad de contar su historia a lo largo del camino.

La instalación final se llamó Pass / Post y se construyó con papel kraft y cuerda: sencillo y con materiales que representaran la simplicidad de un lienzo en blanco en el que dejar una marca. Pass / Post fue un ‘pasaje’ rectangular de 7,7m por 4,4m  que estaba lleno de una compleja red de cuerda que se extendía desde el techo hasta el suelo, creando un paseo imposible por el espacio en línea recta.

Con el fin de atraer al público objetivo hasta el último piso del edificio donde se instaló el proyecto, los estudiantes marcaron la trayectoria de referencia por el suelo desde la calle exterior durante todo el camino a la instalación. A lo largo de esta trayectoria guía, los estudiantes pusieron sus propios rostros, combinándolos con una palabra que definiera sus proyectos personales. Estas palabras incitaban al espectador a seguir por el camino, ya que iban formando una frase abstracta, contagiando la reflexión y la intriga. Los estudiantes también crearon pequeños folletos que dejaron alrededor de la escuela, y un vídeo promocional que se publicó en Facebook antes del evento, utilizando medios impresos y redes sociales para la difusión.

Con todo, el proyecto fue un interesante experimento sobre la integridad espontánea y creativa. El mensaje fue alto y claro: “corta tu historia “, y sin duda quedaron reflejadas cada una de las personas que participaron. Aquellos que interactuaron con el espacio ofrecieron citas inspiradoras, exclamaciones de frustración, y un estudiante de moda, incluso creó un vestido para una imaginaria princesa guerrera. Lo cierto es que todos los que participaron salieron con una sonrisa en la cara, y la mayoría dio las gracias, como si estuvieran contentos por haber roto con sus rutinas diarias. Como el espacio iba transformándose lentamente, las paredes exteriores empezaron a llenar el espacio interior, creando un ambiente complejo y estimulante, que ofrecía el ‘escape’ que los estudiantes querían crear.

“No hay que olvidar que las emociones son las pequeñas grandes capitanas de nuestras vidas y que las obedecemos sin darnos cuenta.” Y es a través de este proceso de pasar a través, por debajo, encima o atrás del camino de un lugar a otro que se crea una historia corta… tu historia, de “Pass/ Post “.

Watch the video in our Facebook Page. // Visualiza el vídeo en nuestra página de Facebook.

Guerrilla Stores: Products out of context // Guerrilla Stores: Productos fuera de contexto

Comme des Garçons guerrilla store via hypebeast.com

Comme des Garçons guerrilla store via hypebeast.com

Comme des Garçons guerrilla store via guerrilla-store-cologne.com

Guerrilla stores are based on the concept of guerrilla marketing that attempts to maximize the visibility with minimal resources used efficiently. These shops are ephemeral as pop-up stores, but avoids using resources on signage, renovations or furniture. The star is the product located outside their usual context.

It is important to find the right space, abandoned buildings or quarters that surprise, find the irony and the sense of humor of the visitor. The furniture and decorations are recycled or even reutilized from the old use of space. With a little creativity, a good minimalist design and a good atmosphere with events and activities, you can create guerrilla stores that generate a large buzz impact.

Usually last a year, hence the optimization of resources and the reduction in initial investment, and provides an innovative way to settle in new citys or recovering neighborhoods in underserved areas.

Comme des Garçons pioneered this concept in 2004 as is evidenced in the pictures, has adapted to all spaces in which it is installed. Below the post we add also a video with a tour of the third guerrilla CdG store opened in Berlin in February 2007.

Brandcelona retail consulting can advise you on the most important elements to set up a guerrilla store. Do not hesitate to contact us at info@brandcelona.com so we can study your best alternatives and plan how to carry them out in your business plan.

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Las guerrilla stores se basan en el concepto del marketing de guerrilla con el que se intenta maximizar la notoriedad con recursos mínimos utilizados eficientemente. Se trata de tiendas efímeras, como las pop-up stores, pero en las que se evita emplear recursos en señalética, reformas o mobiliario. La estrella es el producto ubicado fuera de su  contexto habitual.

Es importante encontrar el espacio correcto, edificios o locales abandonados que sorprendan, busquen la ironía y el sentido del humor del visitante. El mobiliario y la decoración suelen ser reciclados e incluso re-aprovechados del antiguo uso del espacio. Con un poco de creatividad, un buen diseño minimalista y un buen ambiente con eventos y actividades, pueden crearse guerrilla stores que generen un gran impacto boca-oreja.

Su duración suele ser de un año, de ahí la optimización de recursos y la reducción en la inversión inicial, y establece una innovadora forma de instalarse en nuevas ciudades o bien de recuperar espacios en barrios desatendidos.

Comme des Garçons fue el pionero de este concepto en el 2004 y tal y como prueban las imágenes, ha sabido adaptarse a todos los espacios que en los que se ha instalado. Añadimos también un vídeo con un tour por la tercera guerrilla store de CdG en Berlín que abrió en febrero de 2007.

Brandcelona retail consulting te puede asesorar sobre los aspectos más destacados para abrir una guerrilla store. No dudes en contactarnos en info@brandcelona.com para que estudiemos las mejores alternativas y planificar cómo llevarlas a cabo en tu plan de negocio.